トラフ建築設計事務所と行く『桑原甲子雄の写真』展

木村伊兵衛らにも評価され、特集号まで組まれた異例のアマチュア写真家

戦前、アマチュア写真家としてカメラ雑誌へ投稿を続けていた桑原さんはたびたび入選し、その界隈ではかなり名を馳せた写真家だったそうです。その証拠に、23歳のときには雑誌『カメラアート』が、なんと「桑原甲子雄推薦号」を発売。今展ではその実物も展示されています。木村伊兵衛などの一流写真家からも評価された桑原さんには、プロの世界への誘いもあったそうですが、自分の作品は「ごく私的な記念写真」という信念があった桑原さんは、あくまでアマチュア写真家としての姿勢を崩さなかったそうです。

『東京昭和十一年』より『浅草公園六区（台東区浅草二丁目）』
1935年 ゼラチン・シルバー・プリント 世田谷美術館蔵

しかし、次第に近づいてくる戦争の足音は、当然のように桑原さんの人生にも影響を及ぼし始めます。第二次世界大戦が本格化し始める1940年頃になると、物資統制でフィルムも手に入りにくくなり、それまでのように自由に写真が撮れなくなりました。桑原さんは国策協力として、祖国を離れて活動する兵隊や、異なる人種が協力して生きる姿を撮影するという機会を得て満州を訪れます。

鈴野：不本意にも戦争に巻き込まれ、頼まれ仕事として写真を撮るようになってしまったとはいえ、満州時代の写真には日本語の看板がある街の風景や、日本人入植者の日常を感じさせるスナップ風の写真ばかり。いかにも桑原さんらしい匂いにあふれていて、興味の対象はなにも変わっていないところがいいですね（笑）。

また、1943年には出征軍人の留守家族の写真も撮影しています。約30年後の1975年には、この写真を頼りにルポライターの児玉隆也が家族のその後を訪ね歩いた『一銭五厘たちの横丁』という本を発表しており、鈴野さんも大きな興味を寄せていました。

プロとアマチュアの架け橋となったカメラ雑誌の編集長時代

自由に写真が撮れなくなった戦争を境に、桑原さんの人生は大きな転換を迎えます。戦後、ほどなくして桑原さんは雑誌『カメラ』の編集長に就任。アマチュア写真投稿ページの審査員に土門拳、木村伊兵衛といった一流のプロを呼び、アマチュア写真家の地位向上に大きな役割を果たしました。この中から東松照明などが頭角を現し、『カメラ芸術』編集長の時代には、まだ駆け出しだった荒木経惟の特集を組むなど、編集者として多大な功績を残します。

鈴野：建築の世界でも『新建築』という雑誌に学生コンペの入賞者が掲載されるんですけど、僕も学生時代にいろんな建築のコンペにチャレンジしていて、ちょっとでも取り上げてもらえると嬉しかった記憶があります。憧れの建築家に自分の作品を見てもらいたいとか、写真家の世界でも同じようなことがあったんでしょうね。桑原さんはアマチュア写真家だったからこそ、編集長としてそういう場を作らなければいけないと切実に感じていたんだと思います。

1950年代から60年代にかけて、『カメラ』『サンケイカメラ』『カメラ芸術』などの編集長を歴任した桑原さんでしたが、仕事は多忙を極め、写真家としてはほとんど活動できない日々が続いていました。再び自ら撮影するようになったのは、50歳を越えた1965年。『カメラ芸術』廃刊を機にフリーランスになると、約10年ぶりに本格的な写真撮影を再開。展示室にも、1960年代後半に撮られた写真が数多く展示されています。路面電車が走る渋谷駅前、デパートの屋上で談笑する若い女性たち、写り込んだ看板の宣伝コピーなどからも、高度経済成長のまっただ中にあった東京の空気が感じられます。

『東京戦後』より『渋谷駅』 1965年 ゼラチン・シルバー・プリント 世田谷美術館蔵

荒木経惟など若手写真家に強く支持され、写真家として再評価が高まった1970年代

続いての展示室には、1970年代に東京で撮った写真と、1978年に初めてパリを訪れたときに撮った写真が対比するように展示されています。当時の桑原さんは、自らが見出した荒木経惟をはじめとする若手写真家たちにかつぎだされ、写真家としての再評価が急に高まり、還暦にして初めての個展を開催。立て続けに発売した写真集も増刷するなど、脚光を浴びていた時期でもありました。

しかし、移民も暮らす人種豊かな街をとらえたパリの写真に対しては、帰国後に「対象に負けてしまった」と素直に告白もしています。一方で東京の写真に対しては「東京に忠実な画像とはいえない、という思いがある」という言葉を残しており、こうした背景を踏まえて2つの都市の写真を見比べると、当時の桑原さんの心の中が見えてくるようでもあります。

『人間都市パリ』より 1978年 ゼラチン・シルバー・プリント 世田谷美術館蔵

『東京長日』より『世田谷区』 1976年 ゼラチン・シルバー・プリント 世田谷美術館蔵

鈴野：このあたりの東京の風景は、僕も幼少時代に知っている風景でもありますね。20代の終わりに3年くらいメルボルンで働いたことがあるんですけど、日本にいる自分、東京にいる自分を外からの視点で見られたことが、一番大きな経験だったと思います。やっぱり水槽の中からだけだと自分を客観的に見られない。桑原さんも自分の心象が強く反映された東京を撮っていたことに気がついた、ということなんでしょうね。でも、そういった自分の型を反省するというのは、すごく正直な人だと思いました。

一流のセオリーに影響を受けず、あえて「楽しさ」を追究したアマチュア写真

そして、最後の展示室には、1980年代から1992年にかけて、いわゆるバブル成長期の東京で撮影された写真が展示されています。特に個展『午後の微笑』（1992年）で展示された珍しいカラー写真作品は、桑原さんを慕う荒木経惟と谷口雅（写真家、写真評論家）の二人が「桑原らしい写真をあえて選ばない」という方針で進め、桑原さんも最終的には納得したものの、次第に表情が不機嫌になっていったという逸話もある作品たち。しかし、現在の東京の面影をも残す写真の数々は、派手な景気だった時代の日本の姿でありながら、どこか穏やかな雰囲気もまとっており、1930年代の写真に原点回帰したようにも感じられます。

鈴野：カメラ雑誌の編集長として一流の仕事を見てきた桑原さんなら、「写真はこう撮ればいい」というセオリーは当然わかっていたと思うんですけど、最初に勘で撮った写真が一番面白かったりするような、終始一貫して「楽しさ」から撮っていたんじゃないかと思うんです。僕も設計をするときは、なるべくたくさん模型を作って、あえてひっくり返して見るとか、自分が作ったものを疑ってみると、ハッとすることがよくあるんです。1990年代のカラー写真からはそういった遊び心も感じて、桑原さんが「アマチュア」にこだわった意味が少しわかったような気がしました。

図画工作をルーツにした自由な「もの作り」の楽しさという共通点

最後の展示室を抜けたロビーでは、初めに見た映像作品が15分ほどのロングバージョンで再び上映されています。渋谷での撮影が終わって自宅に帰るまでのタクシー内の会話シーンは、桑原さんのマイペースな人柄がにじみ出ていて、見ているこちらも撮影に同行したような気分にさせてくれる絶妙な演出となっていました。しっかり最後まで映像を観ていた鈴野さんに、今展の感想をあらためて伺いました。写真家と建築家、共感を覚えた部分はあったのでしょうか。

鈴野：桑原さんの作品を見ていて面白いと思ったのは、たとえばパリの凱旋門の写真一つとっても、普通は凱旋門の存在感が大きくて、その周囲の人々や風景を付け合わせて撮ることが多いと思うんです。だけど、桑原さんの作品はたまたま背景として凱旋門が写りこんじゃっているだけ、みたいな（笑）。どの写真も親しみやすくて、優しい感じがするのは、そういったセンスが影響しているのかもしれないですね。

さらに鈴野さんは、桑原さんの写真について、興味深いことを語ってくれました。

鈴野：でも、実はそういうセンスの部分に共感も感じたんです。建築の世界でも少し前までは、まず都市計画があって、次に建築があって、その建築家が作ったハコにあわせてインテリアデザインや、プロダクトデザインや人が入ってくるみたいに、ヒエラルキー構造になっていたんです。でも結局、空間デザインや風景を作っているという意味では全部一緒。僕らの世代の建築家は、もっとフラットな時代で生きているので、建築もインテリアもプロダクトも同等として捉えていて、お店だったら商品とか、ホテルだったら家具とか、物や人がその空間に入って完成するようなイメージで全てを設計していくんですね。そうすることでイキイキした空間になってくる。桑原さんの写真の多くも、人が入ることで完成するみたいな部分があります。そこは共通していたんじゃないかなと思いました。

『東京昭和十一年』より『下谷区上野両大師橋（台東区）』1936年 ゼラチン・シルバー・プリント 世田谷美術館蔵

実際、トラフ建築設計事務所が手がけた空間でも、目黒のホテル「CLASKA」では部屋の狭さを逆手にとって、壁にカバン、服、本、スピーカーなどが入る穴の空いた部屋を作ったり、ナイキ『Air Force1』の期間限定ストアではシューズがぐるぐると回遊する空間を作るなど、物から空間を発想したアプローチは大きな注目を浴びました。鈴野さんは、その思考回路の原点は図画工作だと言います。

鈴野：「建築」っていうと、難しい構造計算とか設計でガチガチしちゃうんですけど、僕は全て「図画工作」の延長だと思ってやっているんです。小学校で図画工作を習っていた頃は、細かい区別もなく何でも色々作れて楽しかったけど、中学になって美術とか技術・家庭とかに分かれていくと、急につまんなくなってしまったんですね。そういう純粋なもの作りの楽しさを求めている点も、桑原さんと通じるところかもしれないですね。

桑原さんの写真が再評価され始めた1970年代は、「写真とは何か？」という命題を写真家みんなが突き詰め、難しく考えすぎる傾向にあった時代でした。その中で荒木経惟をはじめとする若い写真家たちが、桑原さんの作品をあらためて見て、「やっぱり素朴なところに写真の原点があるんだ！」と衝撃を受けたという背景があったそうです。当時、桑原さんは若い写真家に向かって、「君たちの時代は大変だね。どうしても突き詰めちゃうよね。でも撮りたまえ。撮って、撮って、10撮ったら1でもいいから発表しなさい」と話していたといいます。日頃からアートに触れている人も、アートなんて難しいと感じている人も、「楽しさ」というクリエイティブの原点を見つめに、世田谷美術館へ足を運んでみてはいかがでしょうか？