アートコレクターという豪快な生き方「高橋コレクション」を観る

草間彌生の展示室は、まるで回顧展のような充実ぶり

展示の構成は、必ずしも年代順ではなく、展覧会でよく見かける大きな説明パネルも、ルートを示した地図もありません。つまり前情報は一切抜きで、コレクター高橋龍太郎という一人の人間の美学と対峙することになります。期待と不安と共に最初の展示室、草間彌生の部屋へと入ります。

草間彌生の展示室　©YAYOI KUSAMA

草間彌生『ハーイ、コンニチハ！ヤヨイちゃん』『ハーイ、コンニチハ！ポチ』
（2004年）©KUSAMA YAYOI

1946年生まれの高橋は、いわゆる団塊の世代。1960年代後半には、当時隆盛を誇った学生運動に没頭し、社会の変革を志す高揚と挫折を味わいます。そんな同時代に、ニューヨークで東洋人アーティストとして孤軍奮闘しながら反戦を訴えるゲリラパフォーマンスを行っていた草間彌生は、高橋にとって常に「特別な存在」だったそうです。多大なリスペクトと憧れを30年後にコレクションというかたちで成就させた高橋コレクションは、草間の貴重な初期作品、1950年代の水彩画から2000年代の近作まで、ミニ回顧展ともいえる充実の内容です。

欧米のアートシーンも驚いた、日本独自のアバンギャルド「もの派」と「書」

草間の部屋の次に続くのが「もの派」の部屋。「もの派」とは、石や木、鉄、ガラスなどの素材を、そのまま扱って作品とした、1960年代末から70年代にかけての日本の前衛芸術運動です。「もの」に付いた既成概念を取り払い、自由に向き合おうとした「もの派」の作品は、近年国際的にも再評価され、欧米でも大きな展覧会が相次いでいます。1990年代以降のアートコレクションで知られる高橋が「もの派」とはちょっと意外かもしれません。

李禹煥『Correspondance』2002年

菅木志雄『空態化-7』(2011年) ©SUGA KIshio

さらに、李禹煥（リー・ウーファン）、菅木志雄、関根伸夫といった「もの派」のスター作家に混じって、何故かそのはるか以前から活躍した抽象画家の岡田謙三、前衛書家の井上有一の作品も展示されています。この2点は高橋がぜひ展示したかった作品だと、東京オペラシティアートギャラリーの福士キュレーターは言います。

福士：1950年代、岡田は抽象表現主義（主張的な抽象モチーフを描く絵画の潮流）全盛のニューヨークに渡り、日本の大和絵を思わせる独自の抽象絵画で大きな成功を収めました。また同じ頃、日本の「書」をめぐって、抽象表現主義など欧米最新の美術との類似や交流、影響関係が熱く語られ、井上の前衛的な「書」は国内外で非常に高く評価されました。高橋先生は日本のアートの独自性を、こうした欧米との出会いや影響、コミュニケーションを含めてポジティブに捉えようと考え、「ミラー・ニューロン」というタイトルを提案してくださいました。

左：岡田謙三『池』（1955年）　右：井上有一『風』（1968年）　©UNAC TOKYO　photo:KIOKU Keizo

そういった高橋の想いを知ると、その後の展示室に現れる、奈良美智の作品や、日本よりも先に欧米のアートシーンで大成功を収め、今やアート界における世界ランカーとなった村上隆の作品にも、何か感慨深いものを感じるかもしれません。

奈良美智『深い深い水たまり』（1995年）©Yoshitomo Nara

村上隆がまだ大学院生だった頃、『G.I.ジョー』のプラモデル人形を使って作られた『ポリリズム』シリーズ（1989年～1991年）や、絵画作品『ズザザザザザ』（1994年）など、初期の代表作を間近で観られるのも、貴重な体験です。

日本の「現代アートシーン」が誕生したのは、1990年代

高橋が本格的にコレクションを開始した1990年代は、現在まで続く日本の「現代アートシーン」の黎明期でした。小山登美夫ギャラリー、TARO NASU、SHUGOARTSといった新しい世代のギャラリーが登場、同世代の作家を積極的に国内外で紹介し始め、海外のアートフェアにも出品するようになります。

一方、グローバルで大きな展開に対して、アートによる「日常」への回帰やパーソナルな物語が注目され、アーティストが独自に立ち上げた「オルタナティブスペース」や、街を使ったアートイベント、滞在制作などが実験的に始まったのもこの頃です。

当時の日本は、バブル経済の崩壊後。公立美術館による作品購入予算が極限まで削減され、「美術館の冬の時代」といわれた時期でもありました。しかし、だからこそ美術館以外の場を中心に多様な試行錯誤が生まれ、日本のアートの裾野が広っていった時期でもありました。つまり1990年代とは、バブル崩壊をきっかけに1つの価値観が一旦終わり、新しい価値観とシステムを一から構築していく時代だったと言えるでしょう。

加藤泉『無題』（2010年）©KATO Izumi

左から：伊藤存『親指現象』（2001年）、名和晃平『PixCell-Lion』（2015年）、塩保朋子『cosmic perspective』（2015年）、舟越桂『遠い手のスフィンクス』（2006年）©FUNAKOSHI Katsura

そうした状況の中で、高橋が収集活動を加速させていった背景には、ある種の使命感が働いていたのではないでしょうか。つまり、日本の現代アートの新しい芽生えを応援し、育てたい、そしてその優れた成果が海外へ流出してしまうのを食い止めるには、もはや個人のコレクターの力しかない……。きっとそんな使命感のおかげで、私たちは当時の傑作をこうして一堂に目にすることができるのです。福士キュレーターは、高橋コレクションの重要性を次のように指摘します。

福士：高橋コレクションの特徴は、作品の情報をウェブサイトで公開し、展覧会への作品貸出に積極的に応じていることです。個人コレクターで、ここまで情報を整備し、公開しているケースは日本ではまれです。そして現代アートの展覧会をする際に、多くの美術館が高橋コレクションに協力を仰がなくてはやっていけないという状況もあります。重要な作品がきちんと保管されて、多くの人に観てもらえる機会が生まれるのは、コレクションされたアーティストにとってもありがたいことです。

今でこそ大物アーティストと呼ばれる作家のデビュー当時の作品や、後に代表作となった作品をしっかり収集していた高橋の慧眼には、本当に感服します。

会田誠やChim↑Pomなど、「問題作」のコレクションは、タブーに挑むアーティストへの支持表明？

高橋コレクションのさらなるポイント、それは時代への批評精神です。日常に潜むサブリミナルな狂気をコミカルに描いた、束芋のシュールでコンパクトな映像作品『にっぽんのちっちゃい台所』（2003年）を中心としたインスタレーション。田中角栄の『日本列島改造論』（1972年）を、いわゆる「戦隊シリーズ物」の怪人に擬人化して描いた風間サチコの『列島改造人間』シリーズ（2002年）といった、社会をチクリと風刺する作品を始め、架空の戦争画を描いた会田誠の『紐育空爆之図（戦争画RETURNS）』（1996年）や、Chim↑Pomの『ヒロシマの空をピカッとさせる』（2008年）といった、政治や社会問題を扱って論争を巻き起こした作品もコレクションされています。

束芋『屋上からの景色』（部分）（2003年）©Tabaimo

風間サチコ『列島改造人間』シリーズ（2002年）©KAZAMA Sachiko

こうした問題作とも言われる作品をコレクションすることは、タブーに挑戦し、問題提起を続けるアーティストの自由な批評精神を支持する、というコレクターの意思表明にも思えます。

福士：ある意味、高橋コレクションには、高橋先生自身の、1960年代の学生運動とその挫折からの精神史が含まれていると思います。1990年代に同時代のアートに出会い、その渦に自ら飛び込んでそれを世に問うていく営みには、社会に対する批判や抵抗の精神が脈々と息づいている。それがないと、単にアートが好きだとか、収集癖が高じてというだけでは、これほどの凄まじいコレクションは生まれないでしょう。

Chim↑Pom『ヒロシマの空をピカッとさせる』（2009年） ©Chim↑Pom　photo:KIOKU Keizo

ひょっとして高橋は、芸術によって一人ひとりの中に小さな革命を目論んでいるのかも。そんなふうにも思いました。

『ガンダム展』に展示された、あの「巨大キャラクター彫刻」を手に入れていたのは……

そして今回、高橋コレクションからの初お披露目作品で、ひときわ不気味な存在感を放っているのが、西尾康之による『機動戦士ガンダム』人気女性キャラクターをモチーフにした巨大彫刻『Crash セイラ・マス』（2005年）です。作家の指や爪跡が残る陰刻鋳造という手法で作られた彫刻は、高さ2.8メートル、幅4メートル、奥行き6メートル。圧倒的なサイズに一瞬たじろぎ、狭く見えてしまう展示室がさらに圧迫感を与えます。

西尾康之『Crash セイラ・マス』（2005年）©NISHIO Yasuyuki ©Sotsu, Sunrise

2005年から2年間にわたって全国を巡回した展覧会『GUNDAM―来たるべき未来のために―』で展示されて以降、その途方もない大きさゆえに、日本では展示する機会がなく、幻の作品となりつつあったこの大作を、まさか高橋が購入していたとは驚きです。個人でこのサイズの作品を買う心意気がとにかく凄い。いろんな意味で圧巻です。

圧巻と言えば、次の展示室には、今展のメインビジュアルにも使われている名和晃平の最新作『PixCell-Lion』（2015年）が展示されています。なんとこの作品は、作家に直接依頼して、高橋のために作ってもらったコミッションワークとのこと。

名和晃平『PixCell-Lion』（2015年）

尾を振り立て悠々と歩くライオンの雄々しい姿を感じ取ることはできても、表皮を包む大小のガラスビーズを通してその実体を見ることはできません。うつろうデジタル世界と実質世界のリアルを問う名和晃平の代表的シリーズ「PIXCELL」の中でもかなりの大作です。

どこかエロス（生）とタナトス（死）が漂う、特異なコレクション

『PixCell-Lion』が展示されている室内は、全体的にクールな雰囲気を保っています。舟越桂による、両性具有の妖精のような木彫『遠い手のスフィンクス』（2006年）が空を見つめるその前には、宮永愛子のナフタリン彫刻『はるかの眠る舟』（2009年）が置かれています。衣服の防虫剤としても使用される化学物質「ナフタリン」を使った宮永の作品の中でも最初期にあたる本作では、ナフタリンの結晶でできた積み木やぬいぐるみが、閉じられた箱の中で長い時間をかけて少しずつ消滅していき、かわりに別の結晶が育っていきます。生と死の循環が、ガラスの向こう側で静かに進行していくようです。

宮永愛子『はるかの眠る舟』（2009年）©MIYANAGA Aiko

鹿の角から繊細に一輪の菊を彫り出した、橋本雅也の『キク』（2014年）にも、同様の循環する死生観が感じられます。展示を締めくくる長い回廊では、森山大道と荒木経惟のモノクローム写真が向き合って展示され、蜷川実花が目黒川の桜を捉えた写真シリーズ『PLANT A TREE』（2012年）へと続き、回廊の突き当りには骸骨に頬をよせる少女を描いた加藤美佳の『パンジーズ』（2001年）が。生と死を表現する芸術とも言われる、アルゼンチンタンゴの名手でもあるという高橋。やはりコレクションにも、どこかエロス（生）とタナトス（死）が漂います。

蜷川実花『PLANT A TREE』（2012年）©NINAGAWA Mika

加藤美佳『パンジーズ』（2001年）©KATO Mika

アートコレクターとは、一個人の財産とエネルギーを投じ、生涯をかけて自分という存在を問い続ける「生き方」である

このように、今や展覧会を通じて、美術館やギャラリー、作家、鑑賞者、コレクターなど、あらゆる人々のマインドにも影響を与え続ける高橋コレクション。今回の展示を通して見えてきたことは、アートコレクターとは、単なる趣味でも、自己顕示欲でも、投資でもなく、唯一無二の表現に一個人の財産とエネルギーを投じ、生涯をかけて自分という存在を問い続ける「生き方」なのではないでしょうか。

そしてその「生き方」は、発信する手段にもなることを今回の展示が証明しています。高橋コレクションに見る「コンテンポラリー（同時代）アート」作品は、まさに今、同時代を生きている日本人が悩み考え、生み出されたものです。そこに私たちはある種の共感を覚えたり、反発したり、さまざまな反応を示します。「ミラー・ニューロン」とは、私たちがアートを通して人間を知るための神経細胞でもあるのです。